Aurélie Nemours

Dans mon sablier

Contre toute apparance

Le vide monte lentement

Et prend la place du sable


In meiner Sanduhr

Entgegen allem Anschein

Steigt die Leere langsam auf

Und nimmt den Raum des Sandes ein.

Aurélie Nemours; 1910 – 2005



Pastelle: Les demeurs 1´154, 1953


Natürlich denke ich an Rothko. Aber es ist doch anders, nicht so verzweifelt. Die Farben sind ganz subtil, hier arbeitet jemand am Rand des Wahrnehmens, beschwört das Wunder, nicht die Trauer.




IMG_9446Improvisation – May 27, 2016

Doris Kollmann, drawing

Noriaki Hosoya, e-bass

Improvisation has a sound of easy-going, it is connected with the state of „Flow“ or „Awareness“.

Yes, this might be true, but for me, improvisation is a great adventure, it is extremely frightening and, at least at the the beginning, not effortless at all.


The greatest challenge is to get loose of all the fights inside oneself: Should I do that, take that colour, do this brushstroke, NO, this was not good at all, this looks crazy, AM I CRAZY? –Isn´t this too obvious, isn´t this too complicated, Is this something????? JUST DO…WHY, NOW, YES, YES AND YES AND NO…

There is no chance to get rid of these devils inside my head but to jump into the scene and let things happen. And of course, why should an improvisation not be like life itself: unforeseeable.

So I climbed up that hill.IMG_9448

The second challenge is to interact with a musician of outstanding expertise and education.

Working with Noriaki Hosoya was a great favour, a gift. I was trying to get rid of the idea of „control“ that I have to transfer his music directly into something visible and that I have to show my expertise and level of education more obviously.

We developed an attitude of acceptance, of walking some lines together, then leaving each other alone for a while, then meeting again, then! Transfer a beat or a picture in music or drawing, and so on, and so on – a sound and a tableau emerged by and by-

Find a short video on vimeo:

When Miyuki Yamamoto and Yurina Misaki joined in, the scene changed completely, they worked on the tableau and the tableau changed into something new, the music had another rhythm, everything began again, circle after circle.


Thanks for being together and thanks to Takayasu Nawachi for being with us.


                                                                                                         Berlin, May 2016

I sin Tid – In her Time

Looking back and forth

We do not know which lines and which currencies lead us to certain people and to certain places. But sometimes it just feels right.


When entering

Halsnøy Kloster 

traces came together which lead 30 years back when I was beginning to study Norwegian Language and Literature at the University of Göttingen, Germany. I visited Bergen to improve my studies at the Summer University in 1984.

In 2014 I met Hanne Bramness, a norwegian poet, by chance in a small restaurant in Berlin. I read her poems and was strongly attracted by

I sin tid – In her time.

In a few weeks of concentrated work I developed a series of 50 drawings, all ink on paper, a black and white journey to times and places in Hanne´s poem which begin with the following words:

Hviske en orden inn                                      Whisper an order

i framtiden: i sin tid                                             to the future

setter grenser                                                    draw lines

på tvers av grenser                                           across lines

og fortelle:                                                            and speak:

Om midtsommernatten                                 Of the midtsummernight

reisen østover                                                    a journey east

horisonten                                                 the horizon

som skyves framover                                 pushed forward

i takt med båten                                                   with the boat

havblikk                                                        deadcalm


(ut av Hanne Bramness: „I sin tid, Gyldendal Norsk Forlag 1986

„In her time“ in: Salt on the eye, Shearsmen Book, Exeter 2007)

Now, in 2016, I was able to present these drawings at a place which seemed to echo to the works. Of course, it should be the other way round, but the interdependencies are so obvious.

IMG_20160316_183635.jpgDSC03473 - Arbeitskopie 2.JPG

DSC03462 - Arbeitskopie 2.jpgDSC04695.JPGDSC03463.jpg

SONY DSCDSC03494.jpg


History, tradition, a long time to let things develop, but also destruction and reconstruction, and the drawings which brought nowadays time, my time, into the house.


The objects and the drawings began to speak to each other. I was happy to have this place for myself the first three days during the preparation of the exhibition.



It felt absolutely right to sit in the kitchen, prepare my meals, look on the fjord and develop some of the wool circles, I imagined to have as a tribute to the place.


In Berlin, far away, felt like years ago, I imagined a place on the ground of an ancient monastery, one of the oldest in Europe.

My answer to the special heritage of Halsnøy Kloster is obvious; each monastery had a garden; the „hortus conclusus“ was not only a place to cultivate vegetables, herbs and flowers for consumption and healing, but also a silent space within the monastary walls for contemplation and prayer.

I developed a series of Tondi, representing the Garden.





Today the surroundings of Halsnøy are very much the same as when the monastry was operational and intact. The landscape is formed by the sea, grass covers the island and grazing sheep can be seen as in the days of old. I paid  tribute to all this with my installation in the basement using soil, wool and grass for a special pictorial allegory of ongoing change: Grass will be covering the world even after the end of history.






A place evolved (from history, from my longings, from reflections) where some of the better human qualities are visible or required: Care, patience, reflection and the longing for beauty…


Halsnøy Kloster, Sunnhordland museum


5455 Halsnøy Kloster


Web. Halsnøy Kloster:

DSC04490.JPGThanks to Helen Petersen from Sunnhordland Museum for her support and for opening the house for me and all my ideas and works, to Oyvind Hjelmen for troubleshooting, to Anna Brunain and  Mirte Bogaert for inspiring evenings with piano play, talk and an unbelievable breakfeast table…

…and thanks to Hanne Bramness and Lars-Amund Vaage who opened their house for me and made this journey possible. Tusen tak for gjestfrihed og vennskap.

00000037 Kopie.jpg





43200 Sekunden

Am 16. Mai fand in der St. Johannes-Evangelist Kirche in Berlin-Mitte die 12-stündige improvisatorische Live-Performance 43200 Sekunden mit 11 MusikerInnen, 12 TänzerInnen und 3 Bildenden Künstlerinnen statt, die für alle Beteiligten – AkteurInnen wie Publikum – ein sehr ungewöhnliches und intensives Erlebnis war.



Die Performance, ein Projekt des exploratorium berlin, wurde mit 2 Video-Kameras und einer Audio-Aufnahme dokumentiert. Hier ist ein 38-minütiger Zusammenschnitt zu sehen:

Das Ensemble:

Bewegung: Ana Carbia | Anna Barth | Barbara Bachinger | Beate Absalon | Doi Park | Gertraud Jung | Kea Regina Pantel | Mara Schepsmeier | Mira Hildebrand | Roman Hagenbrock | Nina Rohlfs | Waltraut Wette

Musik: Aida Shahidi – Stimme, Klangmaterialien | Alexander Piper – Klavier, Klangmaterialien | Annemarie Michel – Klavier, Klangmaterialien | Eglof Berger – Elektronik | Frank Fiedler – Perkussion | Gerwin Meyer  – Flöte, Klangmaterialien | Kathrin von Kieseritzky – Saxophon | Matthias Schwabe  – Flöte, Viola, Perkussion | Rosemarie Uhlig  – Stimme, Klangmaterialien | Simon Hermann  – E-Gitarre, Klangmaterialien | Tatjana Bielke  – Stimme, singende Säge

Bildende Kunst: Doris Kollmann | Eglof Berger | Linda Scheckel | Ynez Neumann

Licht, Tontechnik, Video (nah): Johannes von Wrochem

Künstlerische Leitung: Anna Barth – Bewegung | Linda Scheckel – Bildende Kunst | Matthias Schwabe – Musik

Die sieben Todsünden oder „All you can eat“



All you can eat 

An einer langen Tafel sitzen die sieben Todsünden. Der Tisch scheint festlich gedeckt, es gibt eine Kerze, es gibt Wein und Kuchen, auf dem schweren weißen Leinentuch stehen die Teller, wie es sich für ein Festmahl gehört, weisen Namenskärtchen jeder Todsünde ihren Platz an.


Beim genauen Hinschauen sehen wir den Wein in einem Laborbecher, das Tischtuch ist seltsam zerfressen, wie von Schimmel oder Motten und die Kuchen entpuppen sich als Osterlämmer, von denen es nur so wimmelt auf dem Tisch. Jedes Gedeck scheint zunächst gleich, doch sind es die feinen Unterschiede, die uns klarmachen, wer hier sitzt:

Asmodeus, die Wollust, saugt den Wein aus einem Kinderfläschen mit Strohhalmen und kann nicht genug auf dem Teller anhäufen, sein Platz ist verdreckt und überall gibt es angebissene Teile vom Osterlamm, probiert und wieder ausgespuckt. Vor nichts und niemanden macht er halt um seiner Lust zu huldigen und ist doch nie befriedigt.


Neben ihm Luzifer, der Hochmut, eine Kerze, eine Serviette und das Glas Wein zeigen sein Bedürfnis nach Abgrenzung zum wüsten Tischnachbarn, vom Lamm nur der Kopf, sorgsam angerichtet, eine Blutspur ästhetisch ausgarniert, wie das Dessert im Feinschmeckerlokal. Hier speist die bessere Gesellschaft. Doch die Speise ist dieselbe.


Der Tischnachbar zur Rechten des Luzifer ist der Leviathan, der Neid. Sein Teller ist nur mit Krümeln bedeckt, keine Serviette, kein Glas. Er sitzt am gedeckten Tisch, beobachtet die anderen, vergleicht und bewertet und kann selbst nicht satt werden, obwohl alles da ist.


Ganz anders Beelzebub, die Völlerei. Auf diesem Platz steht ein tiefer Suppenteller, der aber nicht ausreicht, denn der gesamte Platz quillt über von Gebäck. Ein Schlauch ragt aus dem Laborbecher, der vor ihm steht und der Wein ergießt sich im Teller und läuft über auf das Tischtuch.


Mammon, der Geiz, ist vielleicht der unscheinbarste. Niemand soll sehen, was er auf seinem Teller hat, die große weiße Serviette deckt alles zu. Er versteckt und behütet seinen Besitz, aber auch er nährt sich vom Lamm.


Vor Satan, dem Zorn, steht ein zerborstener Teller. Den hat er zerhackt, so wüst ist er bei Tisch, dass das Leintuch zerrissen ist und die Teile vom Lamm zum Brei zerdrückt sind. Er kann gar nicht satt werden, vor lauter Zorn kann er nichts essen.


Belphegor, der Trägheit des Herzens, ist das egal. Alles ist ihr egal, ihr Gedeck ist verschmutzt und verklebt, eine Spritze daneben. Selbst das Essen ist ihr zuviel, hier zählt nur Betäubung. Gleichgültigkeit, die sich mit Feigheit paart.


Eine Tischszene wirkt zunächst vertraut, an wie vielen Tafeln haben wir nicht schon gesessen und gefeiert. Auch Osterlämmer werden in vielen Familien noch heute traditionell am Ostertag gebacken. Sie weisen in der christlichen Tradition auf die Unschuld Jesu hin. Doch selbst wenn dieser religiöse Hintergrund vielen nicht mehr geläufig ist, das Unschuldslamm ist als Wort doch fest im Sprachgebrauch verankert. Von diesem Wort aus kann sich beim Betrachten des Szenarios eine Kette von Assoziationen ergeben. Wer muss heute als Unschuldslamm herhalten, wer wird geschlachtet und gegessen. Wer sitzt da am Tisch, wie erscheint die Wollust heute, die vor nichts und niemanden halt macht, um die eigene Lust zu befriedigen und die doch nie genug bekommt.


Der Titel „All you can eat“ verweist auf unsere eigene, alltägliche Verführbarkeit und verbindet mindestens zwei Todsünden miteinander – Völlerei und Geiz.


Installation in der Ausstellung „Die 7 Todsünden“ Dorfkriche Wilhelmsaue – Oderbruch 2013                                                                                                            Doris Kollmann




Die Tänzerin – das Durchscheinende in der Form

Material: Fischernetz, Fundort Ostsee. Größe: ca 80 cm hoch
Material: Fischernetz, Fundort Ostsee. Größe: ca 80 cm hoch

Aus der amorphen Ansammlung von Fäden entwickelt sich ein „Etwas“ – Wesen, Insekt, Tänzerin über dem Meer der Möglichkeiten. Jede Regelmäßigkeit wird bildgebend, jede Verdichtung bedeutungstragend. Die Tänzerin scheint in ihrem Tanz zu verharren und könnte sich mit einer Drehung in eine ganz andere Figur verwandeln. Alles ist in ihr erst angelegt;  Pflanze, Insekt oder Tänzerin sind verborgen in den Verschlingungen der Fäden. Und genauso schnell kann sie wieder nur Faden sein, zeigt sich Dir in einem Moment ihrer Drehung, wissend, wie fragil die Bedeutung ist, die Du dem Wahrgenommenen zuschreibst.

Die Form, in der die Künstlerin die Fäden schließlich anordnet, ist demnach eine Reduktion, eine Einschränkung der vielfältigen Möglichkeiten.

In der chinesischen Ästhetik werden die „konkreten Aktualisierungen“, also die Äußerungen der Kunst, wie Töne, Formen, Worte, als Äste oder Zweige eines Stammes betrachtet, mit dem sie immer in Beziehung stehen. Doch nicht die feinsten Ausformungen werden als Ideal betrachtet, sondern ihre Nähe zum Stamm, ihr Vermögen, das Eigentliche, die Harmonie, den Stamm duchscheinen zu lassen.

„Da in chinesischen Augen die einzige ralevante Differenz im Bezirk des Realen ein Unterschied in der Finesse von Aktualisierung und Funktionieren ist, bleibt eine wesenhafte Kontinuität bestehen zwischen dem, was `grob´genug ist, um von den Sinnen wahrgenommen zu werden, und dem, was dazu zu subtil und nur einem anderen, feineren ´Organ´zugänglich ist – unserem Geist (jingshen). In ihrem gröbsten Stadium stelt sich die Realität zerstückelt dar, begrenzt und undurchsichtig; erst in einem feineren Stadium ihrer selbst läßt sie ihre Teile miteinander kommunizieren (tong), beseitigt sie Einschnitte und Blockaden und wird ´klar´. Jedoch ist dieses Stadium die Grundlage des vorhergehennden: es bildet den gemeinsamen, im Unsichtbaren verwurzelten ´Stamm´,  von dem ausgehend sich das Gewucher der ´Zweige´- nach Art der empfindungsfähigen Extremitäten – entfaltet. (Francois Jullien: Über das Fade – eine Eloge. Merve Verlag Berlin, 1999)

Dieser Gedanke läuft der musealen Praxis vollkommen entgegen. Kunst auf Sockel zu stellen, hieße hier, sich mit dem Augenfälligen, dem Moment zu begnügen. Das Teil für das Ganze zu halten.  Ein weiterer Gedanke schließt sich an:

Was wäre, wenn sich das Werk trotz der Festschreibung weiterentwickelte, wenn der Sockel nicht zum Bewahren diente sondern gewissermassen als „Gewächshaus“?

Wenn die Künstlerin die Kunst also nicht auf den Sockel gehoben wissen will, dann bleibt ihr nur, sie in den Sockel zu verlagern. Als zu entdeckendes Geheimnis, Schatzkästlein, Wunderkämmerchen, Schlafgemach für eine Jungfer.  Oder ist auch dieses nur Wunschdenken, kann der Sockel im Ausstellungszusammenhang nie mehr sein als Begräbnisstätte?  Ahnenkult, Totenkult, vielleicht liegen hier die kulturellen Wurzeln einer musealen Ausstellungspraxis, die auf Bewahren zielt. Nahezu nachbarschaftlich findet sich nun die Reliquie im Gedankengang der Künstlerin, religiöse Verehrung und Zurschaustellung gehen tändelnd Hand in Hand und weisen auf den quasireligiösen Charakter mancher zeitgenössischen Kunstevents.

Im ästhetischen Empfinden scheint sich ein Wandel anzubahnen: nicht das Laute, Grelle, Provozierende, pathetisch Aufgeladene lädt ein zum Kunstgenuss, sondern das Stille, Einfache, Zurückgenommene, das nicht sofort alle Bedeutungen ausspielt und sich preisgibt. Diese Ästhetik versucht nicht zu beantworten, sondern anzuregen –sie weiß, dass sie auf ein Gegenüber angewiesen ist.

Doris Kollmann, Berlin Juni 2010 – Januar 2014